Medio digital encargado de abordar el tema cultural costarricense con énfasis en el arte, a través de entrevistas e historias de vida que busquen dar voz a los artistas y de las expresiones artísticas nacionales en crecimiento y desarrollo.
Facebook El Cinco y Yo/ Juan Gha en su oficina de teletrabajo.
Si bien es cierto, ser artista urbano en tiempos comunes en Costa Rica es complicado, la crisis que vive el mundo por la pandemia del coronavirus a complicado aún más la labor para quienes viven del arte callejero en el país.
Ante la emergencia el Ministerio de Cultura y Juventud, como el encargado de velar por el ate y la cultura en el país, ha creado estrategias para paliar la crisis económica del sector, sin embargo, en su gran mayoría estas previsiones solo cobijan a los grandes artistas o los que trabajan en compañías que tienen algún tipo de vínculo con el ministerio de cultura, dejando desprovistos a muchos artistas urbanos.
Muchos de estos artistas urbanos, en su mayoría independientes, han sido grandes víctimas de esta crisis, pues algunos viven el día a día con su trabajo, por lo que les ha tocado ingeniárselas para buscar una manera de reinventarse y generar recursos durante la cuarentena.
Esta reinvención ha tocado la puerta de la artista circense Katherine Hoopson y el muralista y caricaturista de El Cinco y Yo, Juan Gabriel, entre otros más quienes tenido que echar mano de las redes sociales para seguir atrayendo a sus clientes.
Para ellos y gran cantidad artistas de calle, como miembros del sector cultura, la situación es si se quiere injusta , pues el ente rector de la cultura nacional está pasando por alto ayudarle quizás unos de los miembros más golpeados por la pandemia en el sector.
Como participantes activos en la actividad cultural, deberían ser previstos en las primeras líneas de atención en la emergencia, ya se su situación de asalariados informales o independientes, los deja en una posición de desventaja para por ejemplo poder acceder a las ayudas que en este momento está ofreciendo el Gobierno de la República.
La preocupación y la ocupación por la crisis económica en el sector cultura, debe ir más allá del tiempo que dure la cuarentena, pues en el momento que todo vuelva tomar su cause normal, entre varios sectores los artistas estarán entre quienes más les costara levantar su economía, como consecuencia del golpe que recibira el pais
Por lo que, las autoridades competentes deberían plantearse la manera de crear vías que a futuro le permitan a los artistas urbanos, que deben ser cientos los que hay en el país, restablecer poco a poco su economía.
Por: Marisela Guerrero Soto
Estudiante de Periodismo, Universidad Federada San Judas Tadeo.
Hablar de arte urbano o arte callejero, es referirse a cualquier expresión artística que se demuestre en via pública, normalmente en la informalidad. Este arte no se limita solo al grafiti, tambien hace referencia a bailes, música, artes escenicas y muchas otras formas de comunicación cultural.
Imagen tomada de internet.
Por naturaleza social, en la gran mayoría de las culturas un artista urbano es revestido bajo gran cantidad de adjetivos que desdeñan su integridad moral y social. Lejos de ser visto como un representante del clamor social, un artista callejero es asociado con la desocupación y el vandalismo.
Sin embargo, lejos de todos los prejuicios que una sociedad pueda tener, muchas veces detrás de un artista callejero hay un estudiante universitario, una persona que con sus convicciones lucha por los derechos de una sociedad, sin la necesidad de empuñar un arma o herir herir a otro.
Al buscar en los libros de historia una fecha para los orígenes del arte callejero, es fácil ver que esta expresión no es una actitud protesta de las nuevas generaciones; sino mas bien una conducta generada de los diferentes hechos que han marcado la historia de la humanidad.
Arte callejero Aquel que se ejerce en la calle. Puede ser música, grafiti, pintura, teatro o cualquier otro tipo de arte que se realiza en las calles de una ciudad.
#Puebla El artista urbano Evoc Muñoz decidió arropar a los trabajadores del sector salud y hacerlo con arte urbano https://t.co/txLtm8oqbb
Los muros de Santiago de Chile en tiempos de protesta social.
América Latina
En el continente americano, el arte callejero no puede asociarse estrictamente a los orígenes de las culturas latinas; pues la variedad de etnias que se originaron a raíz de las conquistas de los pueblos autóctonos fueron depurando las razas y con ello enterrando las tradiciones que los identificaban como civilización.
Según la Real Academia Española (RAE), el término Grafiti se define como la firma, texto ocomposición pictórica realizados generalmente sin autorización en lugares públicos sobre una pared u otra superficie resistente.
Sin embargo, los primeros indicios de este movimiento los podríamos trasladar a la década de los 60´s, cuando en los barrios marginales de New York, comenzaron a escribir sus nombres en las paredes como un símbolo de identidad; posteriormente en 1968 un grupo de estudiantes universitarios en Francia, elevaron aun mas alto su grito de inconformidad ante la fata de libertades políticas y sociales en el país galo, y echaron mano del grafiti como lo conocemos hoy para expresar su descontento.
Es a partir de estos dos hecho, que se podría sentar un precedente para el surgimiento del movimiento en occidente; no obstante no hay que pasar por alto que muchos antepasados usaban como medio de comunicación para grabar sus vivencias.
El grafiti como lo conocemos hoy en día, tuvo mucho que ver con la influencia jóvenes universitarios en la década de los 80´s, donde en protestas políticas y sociales ellos eran los que tomaban la batuta haciendo mofa con mensajes obscenos, irónicos y blasfemos que plasmaban en las paredes.
Costa Rica
Hace una décadas en Costa Rica, mirar a un artista sin encasillarlo, era prácticamente impensable, más es una sociedad tan llena de prejuicios y tabúes como la costarricense; sin embargo, instituciones como el Ministerio de Cultura, se han dado a la tarea de crear espacios de convivencia para estos artistas y la comunidad. Esto como ellos mismos lo indican, con el objetivo de:
«Facilitar la participación de todos los sectores sociales, en los procesos de desarrollo cultural y artístico, sin distingo de género, grupo étnico y ubicación geográfica; mediante la apertura de espacios y oportunidades que propicien la revitalización de las tradiciones y manifestaciones culturales, el disfrute de los bienes y servicios culturales; así como la creación y apreciación artística en sus diversas manifestaciones.»
A raíz de esta iniciativa y con la misma finalidad de darle espacio al arte la Municipalidad de San José dio espacio al Festival Transitarte, como una vía para revitalizar espacios públicos que estaban tomados por la delincuencia y la drogadiccion y a su vez brindar un sitio de expresión para los artistas callejeros que no tenían un lugar adecuado para exponer su obras.
En sus diferentes ediciones el Festival Transitarte, ha dado espacio a las distintas expresiones artísticas urbanas para que sean la temática en un festival diferente; extendiendo así una motivación adicional para que los jóvenes involucrados en el arte callejero tengan la ilusión de participar.
Grupo de Arte circense UNED, Transitarte 2012
Bajo la misma línea, y en conjunto con la la Fuerza Pública y la Embajada de los Estados Unidos, la Municipalidad de San Pedro de Montes de Oca, atendió al llamado para rescatar espacios comunes y tenderle una mano al arte urbano.
Según comentó, Aurora Madrigal, coordinadora municipal del Proyecto: Propuesta de anteproyecto para la Transformación de Calle 3.
En 2017 el municipio participó en un estudio para cantones impulsado por la Policía Nacional de Colombia, llamado Análisis Integrado de Seguridad y Convivencia Ciudadana (AISEC). Dicho estudio evidenció datos de inseguridad ciudadana, principalmente en algunos sectores entre ellos la Calle de la Amargura, principalmente el alto consumo y venta de drogas, así como robos, tachas, asaltos, falta de presencia policial, falta de iluminación, entre otros.
A partir de ahí y paralelo a otros proyectos que manejaba la municipalidad, se planteó como una línea de acción este Proyecto de Transformación de la Calle 3.
«La Municipalidad a través de la Fundación UCR (administradora de los recursos económicos donados por el ICD), hizo un proceso de contratación y por tanto se elaboraron los términos de referencia sobre los cuales la Fundación Pausa Urbana, presentó su propuesta metodológica y ha desarrollado sus actividades en apego a estos términos.
El producto final ya fue entregado por la Fundación Pausa Urbana a la Municipalidad, y estamos pendientes de la presentación formal ante el ICD y de un taller de devolución a la comunidad, que por la emergencia nacional por la enfermedad Coronavirus Covid-19 se encuentran postergados hasta nuevo aviso. «Señaló la vocera municipal.
Pausa Urbana es una entidad transdisciplinar que promueve la activación del espacio público así como el empoderamiento y la organización activa de comunidades.
La fundación Pausa Urbana, ha organizado diferentes actividades para invitar a la comunidad estudiantil y los vecinos de San Pedro a los espacios comunes en la Calle de la Amargura.
Actualmente el arte urbano se ha convertido en un aliado para los ciudadanos, es un grito urgente por rescatar los espacios comunes; el trabajo conjunto con autoridades y universidades públicas como representantes de la fuerza social juvenil le han permitido a los pobladores ver a los artistas de calle con una perspectiva diferente.
Por: Marisela Guerrero Soto
Estudiante de Periodismo, Universidad Federada San Judas Tadeo.
Katherine Hoopson es una joven circense de 23 años, que conoció su pasión cuando apenas era una colegiala que se juntaba con sus amigos para aprender malabares en los patios del colegio Instituto de Alajuela.
Ser artista circense al principio fue difícil para Katherine. En su familia no la miraban con buenos ojos, la gente la tachaba de vagabunda e incluso hasta de drogradicta; los medios económicos para costear su sueño eran difíciles, pero las ganas de aquella vivaz alajuelense, pudieron más que cualquier barrera.
Sacrificios de diversa índole, oídos sordos y un corazón lleno de ganas, la empujaron a buscar su propio emprendimiento para volar hasta donde ni ella misma se lo imaginaba.
Artista circense, ¿Cómo conoció estearte y desde hacecuanto tiempo lo practica?
Lo conocí en el colegio, había como un grupo de amigos que hacíamos malabares. Cuando salí del cole vi que en realidad era una profesión y que uno se puede dedicar a esto. «Ya llevo unos siete años practicando arte circense«
¿Que experiencias ha tenido practicando el arte circense?
Creo que es de las mejores cosas que me ha pasado en la vida, además de uno de los lujos por decirlo así que tiene el arte, es que para poder expandirte como artista necesitas viajar; entonces he viajado para aprender y me han invitado también a distintas partes del mundo también para dar clases. Te expande mucho la mente, de que hay mil posibilidades y que inspira a ser mejor artista.
Fotografía Facebook Katherine Hoopson. Presentación en un jardín de niños.
¿Como es una presentación de Katherine, como es la logística o los contactos que debe hacer para tener un show?
Yo normalmente trabajo en eventos privados, festivales o eventos así. Casi siempre trabajo mediante productoras, entonces ellas se hacen cargo de todo y me dicen a mi mas o menos que es lo que tengo que hacer, el tipo de show que los clientes quieren y el tiempo que tenemos para trabajar.
¿Y que tipo de shows hace?
Trabajo normalmente lo que son shows de fuego, shows de luz, que son igual malabares, pero con luz y malabares normales, que en ese tengo un unipersonal o también lo puedo combinar con algún otro artista circense.
Y en una explicación breve, ¿De que se trata cada show, en que consisten?
El show de fuego es la manipulación de distintos artefactos con fuego, que ellos normalmente llevan kevlar, que es el tipo de tela que yo utilizo para poder encenderlo y que no se acabe. Otra cosa que también utilizo es gas blanco para que no tire humo y se pueda hacer un buen show. Yo manipulo varios objetos, lo que son pois, abanicos, antorchas de mano, coronas, hulas, tengo unos con una unión interna que se puede adaptar.
¿Y trabajando con las productoras, con que frecuencia, cada cuanto tiempo puede tener una presentacion?
Puede variar, pero normalmente trabajo entre semana en lo que son shows colegiales y fines de semana, lo que son eventos privados como bodas, 15 años o así, pero mínimo mínimo, 2 shows por semana.
¿Como es la preparacion, es practicar como para un deporte u otra actividad?
Si claro, todos los días por lo menos dos horas, cuando se puede dos veces al día. Pues por los shows y la disciplina que he tenido que adoptar, muchas veces me ha tocado decir que no ha actividades familiares o con amigos.
Katherine, ¿Y se puede en realidad vivir del arte circense? Con todos los tabues y distintas ideas que la gente puede tener de esto.
Claro que sí, desde mi punto de vista no es fácil, necesitas dedicarle bastante tiempo y dedicarte a vos también, como artista, pero sí, se puede. Además, también depende mucho si lo haces de manera mas profesional, porque lamentablemente el arte circense se ve como algo muy de calle. Respeto perfectamente lo que son los artistas de calle, incluso yo también hago shows de calle, pero para un nivel mas profesional, necesitas invertir en vos ¿no?, para lo que son eventos privados y así, la verdad es que se vive bien.
Fotografia Facebook Kath Hoopson. Presentacion con hula hula en la casa de la cultura,
En sus comienzos como artista circense, Katherine emprendió una pequeña empresa de trajes de baño tejidos a mano, llamada Anber Tejidos, donde ella misma elaboraba y distribuía las prendas para complementar sus gastos.
Fotografia Facebook Kath Hoopson
¿Cómo se puede explicar la diferencia entre un artista de calle y un artista circense?
Por los tabues de la cultura costarricense, ¿ud sienteque si ven a un artista decalle consumiendo alcohol, por ejemplo, la gente va a decir que todos son iguales?
Creo que lamentablemente se cree que todos los artistas circenses fuman, toman son súper drogadictos, son de calle, son como indigentes o así y en realidad no, digamos acá en costa rica no hay como circos como tal o familias de circo, pero igual hay gente que se dedica que es súper buena, yo he ido a festivales y los de Costa Rica siempre han sido de los mejores, de los mas altos niveles.
¿Y al comienzo como reacciono su familia, como se tomaron la idea de que Katherine queria ser Artista Circense?
Al principio fue un poco duro no, pero cuando ya tus padres y tu familia ya te ven como de lleno y también cuando empiezas a producir dinero, cuando vez que si es probable poder vivir de esto entonces ya ellos se quedan un poco mas tranquilos.
¿Que significa el arte circense para Katherine, como lo describiría?
Paises como Cuba, Nicaragua y Mexico, han sido testigos de los malabares de esta soñadora alajuelense.
Por: Marisela Guerrero Soto
Estudiante de Periodismo, Universidad Federada San Judas Tadeo.
Bisutería de Dennis Tenorio, Imagen con fin ilustrativo
La técnica de los viajeros artesanos se ha mantenido con el pasar del tiempo gracias a su facilidad para adaptarse a cualquier uso. Todos los amantes de la bisutería han usado en algún momento esta técnica aún sin saber su nombre.
Macramé es una palabra de origen francés y significa nudo, para realizar esta técnica solo se necesitan las manos, hilo para tejer y mucha creatividad.
El macramé es la técnica milenaria que se mantiene en tendencia y además es muy común en los souvenirs en muchos países de América. Es posible que esta técnica se combinara con los trenzados nativos de dicho continente, el cual llegó por medio de viajeros y hasta la fecha muchos continúan vendiendo su arte cruzando el continente.
Dennis Tenorio es un artesano que se dedica a utilizar esta técnica desde hace mas de 6 años, para la creación de pulseras y anillos.
Materiales Dennis Tenorio
Tenorio un día decidió que estaba dispuesto a tomar su mochila y emprender un viaje hacia lo desconocido, hasta llegar a México con la ayuda del macramé.
Con la venta de sus artesanías y la música de sus bongos, logró conseguir dinero mientras realizaba su viaje. En el camino dice haber conocido personas de todo el mundo que se dedican a cruzar el continente utilizando esta misma técnica.
“El macramé es un trabajo de personas viajeras. Yo viajé por Centroamérica vendiendo macramé… La gente vende en plazas parques y avenidas”, comentó Tenorio, quien dice seguir vendiendo macramé por encargo.
Pero el macramé ha sido una técnica que ha trascendido mucho más allá, por ejemplo, en el interiorismo esta técnica se ha convertido en toda una tendencia.
Imagen con fines ilustrativos
Alba Hurlé y Alicia Martín Labordason las fundadoras de Cousi Interiorismo, un estudio en Madrid con un campo de acción muy variado: casas, restaurantes y espacios públicos.
En una entrevista para la revista Architectural Digest, ambas comentaron que actualmente prefieren un estilo Craft, de sus mejores proyectos, donde se utilizaron los taburetes tapizados con macramé.
«Las antigüedades y la artesanía nos inspiran para repensarlas y darles una lectura más contemporánea”, comentó Hurlé para dicho medio.
Por otro lado, este tejido es muy utilizado para vestir, existen desde braletes hasta sueters hechos a mano con esta técnica que no deja de sorprender las tendencias en los últimos años. En la actualidad muchos optan por vender en linea sus productos, otros trabajan por encargo.
Imagen con fines ilustrativos
“Hay un profundo contenido simbólico en el acto consciente de realizar un nudo. Las más diversas culturas lo incluyen como comportamiento heredado del pasado, vigente y proyectado hacia el futuro”, escribió de Fernández Latour que aparecen en el texto de Rubín.
Estos nudos fueron utilizados por los persas y los sirios 2300 aC, para luego llegar a Europa gracias a los árabes y más tarde a América donde se comenzó a utilizar inicialmente para trenzar las típicas hamacas caribeñas.
Hoy se utiliza como prenda, bisutería, artículos decorativos, colgantes, atrapa-sueños y todo aquello que un artesano se proponga. En el contexto histórico que nos encontramos mucho lo utilizan no solo como trabajo sino también como un escape o pasatiempo en esta cuarentena.
Escrito por : Amanda Sánchez Montes.
Estudiante de periodismo en la Universidad San Judas Tadeo. Twitter: AmaSm
En los últimos días, empecé a notar cómo todo este tema de la cuarentena ha hecho que cambiemos nuestra forma de entretenimiento. Actualmente, aparecieron maneras alternas de dar clases para continuar sus rutinas de ejercicios, clases de baile, música e incluso de la universidad.
Pero es curioso, ya que no sabía que tantos de mis amigos cantan, bailan y en el mejor de los casos, hasta actúan de maravilla. ¿Como me di cuenta de esto? Simple: TikTok, la verdad es que me resistía a descargar la aplicación pero ahora hasta en instagram suben los videos, llevándonos a todos no solo a ver sus creativos videos sino a replicar los mismos.
Lo cierto es que esta aplicación antes era más usada por niños, empero, ahora no creo que sea apta para menores de 15 años por su contenido, en ocasiones, poco inapropiado. La aplicación es para hacer vídeos donde se puede elegir una canción, tono, voz, en muchos caso ya existen retos con coreografías que algunos imitan o bien crean las propias, además hay vídeos donde muchos actúan con un audio de la voz de alguien más.
En fin, esta oleada artística no queda ahí, para sobrellevar el estrés de estar en casa, otra de las opciones es pintar, hasta tengo muchos conocidos que suben historias de sus lápices de colorear, acuarelas y sus libros de mandalas, también he visto creaciones propias, retratos y paisajes. La fotografía en estos tiempos ha sido como magia, desde nuestro celular nos puede transportar, sin dejar de lado las emotivas imágenes de recuperaciones y otras trágicas por la situación. Han salido canciones nuevas de casi todos los géneros musicales acerca del coronavirus para no perder el humor, algunas han llegado a ser de las más virales en Spotify, con nuevos cantantes circulando en redes sociales.
El Covid-19 nos obligó a encerrarnos en nuestras casas y que muchos aprovecharon para explorar su lado artístico en estos días.
Por otro lado algunos artistas conocidos han aprovechadola cuarentena para publicar nuevos videos. Por ejemplo, en Instagram Rene o Residente como muchos lo conocen hizo un en vivo, con cada uno de los músicos desde cada una de sus casas, tocando la canción Latinoamérica.
Quizá y esta pandemia no solo nos deje enseñanzas de salubridad, sino, que de pie a un nuevo Picasso, un nuevo Robert De Niro o una nueva Isabella Allende.
O tan solo tal como se vive en España, empecemos a salir a nuestro balcón para tener un escape y apreciar el arte.
Escrito por : Amanda Sánchez Montes.
Estudiante de periodismo en la Universidad San Judas Tadeo. Twitter: AmaSm
Las dificultades que tienen los artistas callejeros en el país llaman poderosamente la atención en tiempos en los que a nivel mundial la oferta cultural ha llegado al teatro, museos, cines y estas personas que se encuentran en lugares públicos abiertos sus acciones son consideradas como actos de vandalismo.
Estos espacios públicos se han convertido en un terreno en juego entre el ciudadano y el artista callejero, ya que la inmediatez y libertad de acción que aporta el trabajo artístico en la calle hace que muchos artistas hayan optado por operar en los distintos lugares de Costa Rica.
Con esto se está evitando así la intermediación de las instituciones de exhibición convencionales como el museo o la galería de arte y favoreciendo con ella otros modos de encuentro entre obra y público.
Es importante que se trate de implementar la creación de un registro de personas o empresas que se dediquen a la elaboración de esta expresión artística teniendo y poniendo a la disposición de aquellas instituciones o gobiernos locales que quieran adquirir obras de este tipo.
Según el proyecto de Ley emitido en el año 2011 dice que, “No operará sanción de tipo alguno siempre y cuando se armonicen elementos como (inciso a) aprobación del dueño de la propiedad si se trata de bienes privados, de naturaleza pública, municipales, instituciones autónomas y descentralizadas. (Inciso b) Mural o grafitti que conlleve un mensaje social, artístico etc”
Dos jóvenes tocando música por las calles de San José. Foto: Internet
Es importante que haya una igualdad en este tipo de comportamiento para con las personas que realizan el arte callejero y así se obtenga un incremento exponencial.
Como bien lo define el Catedrático de Belas Artes en la Universidad de Vigo, Ignacio Pérez Jofre en una de sus lecturas “Hace tiempo que trabajo en la calle, me gusta ser respetuoso y no comparto esa connotación de casi ilegal; para mí pintar en la rúa es convertirla en un lugar de encuentro, no solo de paso para los viandante”
En muchas ocasiones el gran auge que ha tomado el arte urbano ha llegado hacer un gran reto transgresor para muchos jóvenes, pero a la vez se ha convertido en un verdadero dolor de cabeza para muchas personas ya que manifiestan sus molestias por ejemplo; cuando en fachadas de casas o comercias se pintan estas creaciones o inclusive cuando muchos circenses se encuentran en las calles haciendo malabares.
Pero, nosotros que sabemos sobre la necesidad de estas personas en hacer malabares en la calle, en tocar algún instrumento en el parque central en San José o inclusive en exponer sus obras por las calles de la Avenida Central, muchos de ellos tienen una historia y un por qué para hacer esto, y en lugar de criticarlos, debemos darles el derecho de expresión y el derecho de que ellos puedan generar dinero por este medio para llevar el sustento a sus casa, al igual que todas las personas que tienen un trabajo estable.
Esto ya se ha convertido en una manifestaciones culturales y llega hacer de mucho beneficio para la comunidad dejando de lado las leyes establecidas que en ocasiones está negando la expresión de las capacidades artísticas de muchos ciudadanos.
Arte Callejero en Avenida Central. Joven tocando con materiales de desecho. Fuente: Video Youtube Randall Suarez
Y como bien lo expresa un artista grafitero equilibrista que se hace llamar Doble 51, quién pintaba en los lugares donde nadie se animaba hacerlo :
“A mí me interesa entender el mundo artístico de la calle también como un universo de trabajo. Esto es como cualquier otro campo laboral. Vengo de una ciudad donde la mayoría de los artistas callejeros se piensan como ilegales o como agentes del bien, que creen que el arte es una máquina para producir amistad, con una falsa postura desinteresada en el dinero y con mucha propensión a felicitarse entre ellos. Son artistas que no estudian, no trabajan de manera interdisciplinaria, mucho menos ponen en crisis sus formas de pensarse como artistas o como gestores. A mí me interesa todo lo contrario, escaparle al esencialismo, a decir ‘esto tiene que ser así’. Hay que romper cosas, sino estás haciendo lo que manda el amo”.
Una ciudad que respeta al ser humano es la que le brinda como peatón una experiencia de bienestar en su cotidianidad, como un elemento básico, transitar, viajar, turistear, comer, sentir y demás acciones que pueden las personas realizar en espacios urbanos. De allí la importancia del compromiso con la presión hacia el cumplimiento y respeto al derecho, y lo más importante la protección y el reconocimiento de las expresiones artísticas urbanas.
Artículo/ Periodista: Nazareth Castro/ Estudiante Universidad San Judas Tadeo.
Un tiempo atrás, en una investigación realizada por estudiantes de la Universidad Federada San Judas Tadeo en el año 2017 se evidenció sobre la realidad, aceptación y oportunidades que reciben los artistas circenses en el país. La realidad que ellos enfrentan día a día además de salir adelante con sus trabajos que es lo que les da el sustento económico, es el ser aceptado ante una sociedad que un sector sigue estancada y que les brinda pocas oportunidades por cómo es visto este arte.
Lo que parece increíble es que, el arte es una muy buena área en la cual se puede invertir y dar apoyo, ya que el arte atrae y con ello se consume y se impulsa para seguir creciendo, pero, lastimosamente esto no es así.
Roy Gómez Cruz, un mexicano especializado en artes circenses, que estudió Performance Studies en Northwestern University en Chicago expresa que el principal problema que enfrenta este arte es que es visto como entretenimiento, por ende, significa que en una situación compleja o que se vulnerable lo primero que dejaran de apoyar es esto, ya que circo (entretenimiento) es último en lista de preferencias por los ciudadanos y gobierno.
Fuente: Latinos Magazine
Ahora bien, ¿Será esta la razón por la cual hay tantos artistas en las calles? Porque sin duda alguna la presencia de estos en las calles es toda una realidad y en ocasiones es porque no se les brinda la oportunidad de crecer en un ambiente agradable y ante ello tienen que optar por lanzarse a las calles para poder mostrar todas sus habilidades.
Sin embargo, hay otro factor que en lo personal es el que más me preocupa y es el de la opinión pública. A lo largo del tiempo la ciudadanía ha creado estereotipos sobre estas personas haciendo creer que ellos realizan arte por ser vagos, cuando realmente es una opción que ellos tienen para ayudarse económicamente. Esto no puede pasar es una profesión al igual que todas las otras que tiene el elemento diferenciador de que no se ve como tal, sino como entretenimiento.
En el mundo existen muchas empresas que han tenido gran éxito por el apoyo y por la profesionalización del contenido que ofrecen como es el caso de Cirque du Soleil, en donde todos sus artistas son profesionales y tienen un respaldo de admirar, un escenario así se puede emular en el país si se da apoyo a este talento.
En nuestro país la realidad es similar y el pensar de algunos artistas es similar, sobre ello Carlos Jiménez, productor se la TICAS Asociación de Arte nos comentó lo siguiente sobre la posición del arte circense en el país y el apoyo del gobierno.
La problemática internacional en materia de salud producto del COVID-19 está derivando en una crisis económica a nivel mundial, «la mayor desde la Gran Depresión» según la lectura de Carmen Reinhart, profesora de la Universidad de Harvard. Costa Rica no es ajena a este contexto global y la situación económica empieza a resquebrajar aún más las grietas precedentes a la pandemia, afectando a una enorme porción de la ciudadanía.
En este torbellino de distanciamiento social en el que predominan las reuniones vía Zoom y se mueven a velocidad de relámpago tanto las informaciones veraces, serias y contributivas, como la desinformación y las fake news; en tiempos de Tik Tok, de recetas de comidas, de rutinas para ejercitarse en las casas, de los challenges de Instagram, del uso de datos, de series, de películas y de expectativas por los estrenos, es necesario no limitarse únicamente al consumo esporádico y darle valor, consideración e interés a lo cultural y lo artístico nacional para no generar una problemática (profunda) en el sector.
Según la Encuesta Continua de Empleo (ECE), elaborada por el Instituto Nacional de Estadística y Censos (INEC), la tasa de desempleo del cuarto trimestre del 2019 cerró en 12,4% y un 46,6% de las personas que trabajan lo hacen de manera informal. Y como ya está sucediendo, el coronavirus vendrá a aumentar estas cifras, como por ejemplo con las 109 mil personas que perdieron su empleo por el cierre de 30 restaurantes.
Con la cancelación de eventos masivos desde inicios de marzo por parte del Gobierno, si la población no se acerca en este momento a las propuestas culturales vernáculas virtuales, quienes viven por y para el arte en Costa Rica, engrosaran esos números a la brevedad.
Marvin Araya, director de la Orquesta Filarmónica de Costa Rica, en un concierto caracterizado como el «Joker» (Foto: @filarmonicacr)
En esta dirección se manifestó Marvin Araya, director de la Orquesta Filarmónica el viernes 27 de marzo en una transmisión en vivo desde la cuenta oficial de Instagram de la empresa musical. Reconoció que, al no poder realizar conciertos, encontrar ingresos para sostener la estructura y los salarios de los músicos, se hace sumamente difícil y que una forma de palearlo será con una o varias transmisiones en vivo a través de las redes sociales.
Para los músicos costarricenses la situación es compleja y de altibajos, como lo comenta José María Piedra, multi instrumentalista costarricense, integrante de la Banda de Conciertos de Cartago y profesor de música:
Es fundamental que las personas que se encuentran en sus hogares, opten por lo autóctono cultural. La visualización y circulación del contenido generado por los artistas costarricenses vía streaming, lives o vídeos grabados, es lo que permite que las empresas se interesen en seguir apoyándolos, como es el caso de FIFCO. La empresa limonense estrenó una plataforma de entretenimiento, www.quedateencasa.cr, iniciativa que contempla shows y contenidos gratuitos de conciertos, espectáculos de magia, de comedia, entre otras cosas. El debut fue con la presentación de la banda musical costarricense Mal País.
También desde el Estado se están estableciendo medidas para que la circulación del consumo de lo propio no se detenga. Del mismo modo que el Ministro de Salud Daniel Salas tomó el liderazgo en las cuestiones médicas y de salud, los expertos en cultura son quienes deben tomar las riendas para abordar lo referido al arte costarricense y así lo entendió el Ministerio de Cultura y Juventud (MCJ).
La institución gubernamental expresó en una carta abierta el agradecimiento a los artistas por compartir sus contenidos y estar “concentrados en atender las necesidades del sector.” Y una manera de hacerlo es a través de la difusión en su página web y sus redes sociales de lo que se está produciendo en materia de danza, teatro y música. Por ejemplo, lo que hicieron el 30 de marzo José Aurelio Castillo, concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional y los primeros violines de este grupo.
Todas estas propuestas requieren necesariamente de la participación del público. De acercarse, de ver, de escuchar. Sin audiencia las expresiones artísticas tendrán vuelo corto en el venidero plazo y los apoyos, sean privados o estatales, irán menguando. Es menester, aunque sea de forma mediatizada por la tecnología, que haya eco del otro lado de la pantalla. Y una opción es apoyar con donaciones, como ya lo están aplicando artistas estadounidenses, tal como lo señala José Maria Piedra:
Además, el aporte de la sociedad para con los artistas será una retroalimentación en ambos sentidos. Si el consumo permite la supervivencia del arte, también brinda herramientas fundamentales para quienes cumplen el aislamiento. Como decía Luis Alberto Spinetta, cantautor argentino, «a la gente hay que alimentarle la panza, pero también hay que alimentarle el alma y lo que la alimenta es el arte.» Y desde la ciencia lo explica Laura Thorner, Licenciada en Psicología de la Universidad de Belgrano (UB), de Buenos Aires y Máster en Psiconeuroinmunología de la Universidad Favaloro:
Una mirada a la creación, desarrollo y actualidad del arte circense en Costa Rica
Show con fuego, Fuente: TICAS Asociación de Arte
La cultura e identidad de un país puede estar definida de muchas maneras y cada uno siempre tiene sus principales características, pero buena parte de esta cultura es creada a base de historia y la historia en muchos casos va de la mano con el arte, que es el fruto de creatividad e imaginación de las personas. Una de las tantas maneras de producir este arte es mediante las artes circenses.
En el área de la cultura, las artes circenses en Costa Rica tienen una gran cantidad de artista y este número ha aumentado año tras año gracias a su gran auge en los últimos años. Este desarrollo inicio hace cientos de años y con el paso de los años se ha ido transformando y mejorando poco a poco.
Historia del Arte Circense
Las primeras expresiones de arte circense en Costa Rica se empezaron a dar desde la época precolombina. Con el pasar de los años este tipo de prácticas fueron incrementando y para los siglos XIX y XX la consolidación de las artes circenses ya era mayor. La evolución de los años ha permitido el crecimiento de estas prácticas. Por medio de las herencias culturales, muchas familias costarricenses se han encargado de seguir transmitiendo el arte del circo.
“El arte circense de hoy es el arte de la destreza corporal exhibida para los espectadores, el espectáculo más antiguo del mundo, que puede rastrearse desde tiempos remotos en los rituales de los cinco continentes”, menciona el libro “Historia del circo” de Beatriz Seibel.
Libro de Beatriz Seibel, Fuente: Elaboración propia
Pero, para entender hay que tener el concepto de arte, las representaciones artísticas a nivel mundial existen miles, sin embargo, no todas son del agrado humano. El arte según la RAE (Real Academia Española) es aquella capacidad, habilidad para hacer algo, o bien, una manifestación de la actividad humana mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
El arte circense en Costa Rica construyó su modelo e historia basada principalmente en algunas zonas demográficas del país como lo fue en el Golfo de Nicoya a partir de la cultura que se desarrolló en la época precolombina. No fue hasta el siglo XlX y XX que todo lo envuelto al circo llegó al Valle Central, con la existencia y creación de un verdadero circo en el Gran Área Metropolitana (el de San José). También gracias al avance que había esta disciplina algunos circos internacionales visitaron el país y con ellos logramos expandir nuestra cultura en torno al arte circense ya que estos inspiraron a muchas personas a empezar a practicar este arte.
Elementos utilizados en el arte circense, Fuente: Arte Circense Aragua
A inicios del siglo XXl se lograron establecer nuevas bases para el progreso de los espectáculos, con el Circo Miller ya establecido en el país ayudó a demostrar y crear habilidades en diversos grupos sociales en el país a partir de sus presentaciones durante un cierto periodo muchas personas se vieron beneficiadas para enriquecer su conocimiento
Tal y como apunta el libro “El circo en Costa Rica” elaborado por Pilar Ho y Kelcey Johnson en la actualidad las artes circenses están presentes en la vida cotidiana de las personas y contribuyen a la cultura con esta expresión artística de vanguardia.
Ticas Asociación de Arte en el país
Ahora que ya sabemos cómo nació este arte en el país, hablemos de su desarrollo como tal país y como este arte es plasmado en la actualidad para llevarlo hasta la población.
En el país existen muchos artistas, agrupaciones y asociaciones que se dedican a realizar diferentes actividades que involucren el arte circense, tal es el caso de TICAS Asociación de Arte, quienes realizan diferentes entregas artistas que involucran las artes circenses, pero también involucran la danza y música. La misma fue creada en el 2014, pero no fue hasta el 2018 que empezaron a fungir como asociación.
Logo de la asociación, Fuente: Ticas Asociación de Arte
Carlos Jiménez es el Director artístico y productor de la Asociación quien menciona que ellos cuando realizan todos estos shows se plantean una idea y es darle una nueva vida a los temas y puestas en escena, transmitiendo así un poco de fantasía a las personas.
“Cuando usted presenta algo distorsionado de la realidad a la gente le gusta, porque pinta el mundo de colores, entonces a la mayoría de personas les gusta salir de la realidad y ver un concepto diferente sobre todo en los niños”, expresó Jiménez.
La pasión y amor por el arte se transmite en gran medida de esa manera tal y como lo apunta el cantautor cubano, Silvio Rodríguez, quien expresa que a todas las personas les gusta la imaginación y la mente humana está hecha de la imaginación de cada individuo.
Silvio Rodríguez dando un show, Fuente: La Nación
El valor del arte para los artistas creo que está de más decir que es grande, sobre esto el artista nos comentó lo siguiente: “El arte claro que es mi vida, porque cuando usted plasma una idea y se la entrega a un público, usted desea que sea bien recibida, entonces yo creo que cada artista intenta poner un poco del alma de uno o la personalidad de uno en cada show que se realice”.
Ahora bien, el amor por el arte es claro que es bastante grande, pero ¿qué tan profesionalizado está el arte circense? o bien, ¿Cuál es la posición del arte circense en el país?
“La posición del arte circense en Costa Rica es la misma que todas las posiciones artísticas, estamos un poco más abajo, pero porque primero al artista no lo educan para vender el arte que realicemos, en la carrera nunca nos enseñan que tenemos que vendernos y hay que vender para comer. Además, nosotros como artistas no le damos el valor, no hacemos las inversiones, no nos capacitamos y entonces por eso estamos donde queremos estar la mayoría de los artistas”, explicó el director artístico.
Además, fue preciso en decir que en el país una persona puede vivir del arte, pero no solo realizando un arte en específico, es decir, que si es artista circense tiene que ser músico, bailarín, entre otros.
Show con fuego, Fuente: TICAS Asociación de Arte
Esa interdisciplina es la que ellos trabajan en la asociación, ya que puntualmente eso es lo que ellos buscan mezclar las 3 disciplinas ya mencionadas anteriormente para crear sus shows. Todo ese trabajo ellos lo realizan con diversas municipalidades del país con las cuales ellos idean un plan del show.
“El trabajo que hacemos con las municipalidades es muy bonito, ellos nos dan un tema y nos piden que tenemos que hacer un guion, que luego es aprobado o desaprobado. Nos dan un tema y nosotros buscamos la música, a los actores, todo lo necesario y hacemos una historia inclusiva y para todas las edades, que sea con un enfoque familiar para acercarnos a la población” finalizó el productor artístico.
Por otro lado, aseguró que en estos momentos con todos sus proyectos se encuentran varados a causa del COVID-19, ya que todos los ingresos provienen de los shows que se realizan.
Desarrollo del Arte Circense
El arte circense se ha comenzado a consolidar en los últimos años. Personas creando murales en la calle, jóvenes haciendo malabares en los semáforos y otros haciendo shows en las calles, son tan solo algunas de las formas más representativas del arte circense que se puede observar cotidianamente.
Realización de arte circense en las calles, Fuente: La Nación
Desde hace unos años es cotidiano observar diferentes formas de arte en cada rincón de Costa Rica y como distintos lugares se han teñido de estas prácticas que son utilizadas por muchas personas para demostrar sus habilidades. Pasión, trabajo o hobby, son algunas de las razones por las cuales, muchas personas están llevando a cabo estas prácticas a lo largo y ancho del país.
En el libro “El circo en Costa Rica” elaborado por Pilar Ho y Kelcey Johnson, mencionan a profundidad como el arte circense sin duda ha incursionado con fuerza en la cultura nacional del arte, “Rompe con el circo tradicional en cuanto a la estructura del espectáculo así como en la forma de transmitir el conocimiento; se fusiona con otros lenguajes escénicos como la dramaturgia para contar historias que provoquen una gama más amplia de emociones; sale del espacio de la carpa para presentarse en teatros y en la calle; y sin duda continúa utilizando el recurso de la innovación tecnológica en sus espectáculos”.
Libro de Pilar Ho y Kelcey Johnson, Fuente: Amazon
Pero toda esa transformación se ha dado por diversas razones y no puntualmente por la más esperadas o tal vez simplemente ha sido una vía para reinventarse en su área, ya que la sociedad costarricense o un buen sector de ella no está lo suficientemente educada para apreciar el arte en general.
Esto porque sin duda porque los espacios y apoyo no es muy grande. Gracias a ello nace un problema del cual ya se ha hablado anteriormente y la división social que se cree sobre estos artistas, los estereotipos son muy marcados.
VIDEO: Show realizado por TICAS Asociación de Arte:
«El arte se dirige a la mente y no a los ojos. Siempre ha sido considerado de esta manera por pueblos primitivos y ellos tienen razón. El arte es un idioma, el instrumento del conocimiento, el instrumento de la comunicación«– Jean Dubuffet–
El hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Foto: Emily Segura
Para muchos, es algo más que una tendencia estética y constituye un medio más de alcanzar la liberación corporal, el paso a una concepción trascendental del propio cuerpo.
“La pintura corporal no es solo pintar en la piel, es transformar los cuerpos en verdaderas obras de arte viviente que respiran y tiene movimiento” así lo expresa Emily Segura, una joven que encontró en el arte corporal una terapia ante la muerte de su padre, cuando apenas ella tenía 18 años de edad.
El cuerpo como soporte artístico presenta distintas posibilidades de expresión, el arte en el cuerpo ha evolucionado desde que fue una de las primeras formas de expresión del ser humano.
En las tribus se aplicaban la pintura corporal con carbón, tiza, sangre de animales y muchos otros pigmentos que en ocasiones sirvieron como pinturas de guerra o inclusive se utilizaron como señal de reconocimiento o camuflaje para la caza.
Esta práctica servía como instrumento de transformación; los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada.
Un cambio de vida
Hace cinco años, debido a una crisis de ansiedad y problemas cardíacos, Emily tuvo que salir de estudiar por recomendaciones médicas, debido a esto, la joven oriunda de San Antonio de Desamparados encontró en el body paint más que un trabajo, si no, una pasión.
De forma natural y sin ninguna formación, inició dibujando y pintando realismo, tiempo después del papel pasó a la piel pintando embarazadas, técnica denominada Bellypaint y pinta caritas, así desarrolló de forma autodidacta el maquillaje de fantasía y la pintura corporal, en la cual proyecta el surrealismo.
“Comencé hacer pinta caritas, que en términos más técnicos se llama facepaint y es solo pintar el rosto y en ocasiones la parta alta de los hombros, luego practicando con mis primos con mis hermanos, me pintaba a mi misma, las piernas, los brazos, fue una unión del dibujo y el pinta caritas lo que lo que me llevaron a lo que hago ahorita”
Fue así como nació el proyecto que desarrolló denominado “Emily Body Paint Evolution” sintiendo el arte hasta los poros, donde el pincel se tornó su principal herramienta y el cuerpo su lienzo elemental.
Algo que inició por accidente ahora le ha permitido visitar países como México, Colombia, para enseñar el arte de la pintura corporal.
Combinar dos técnicas, la parte de pintura, todos aquellos colores que se utilicen para el cuerpo y la parte de maquillaje social que son las sombras, delineadores, es importante aprender a jugar con todos esos elementos para crear distintas figuras, texturas o técnicas distintas.
Maquillaje Social
En todas sus obras, Emily utiliza la combinación del maquillaje social con pinturas corporales, este tipo de maquillaje no es únicamente para ojos, las sombras que se pueden utilizar perfectamente para dar un sombreado y crear una profundidad en caso de que sea un maquillaje de fantasía. Emily asegura, que al descubrir el maquillaje social se le hace más sencillo crear todo tipo de maquillajes o looks de fantasía con este tipo de elementos.
Según su significado el maquillaje social trata de encajar con el evento u ocasión especial al que hay que asistir, a partir de aquellos elementos de pintura que son parte de la cotidianidad del ser humano.
En muchos casos se busca aplicar los productos adecuados según la tipología y características del rostro, para ello, lo primero y principal, será realizar un estudiomorfológico de rostro, ojos, cejas y labios que nos permita saber cuáles serán las correcciones que tendremos que hacer para que la clienta luzca perfecta.
Entre diferencias y técnicas
Emily plantea que el tiempo dependerá de muchos factores, si es un body de cuerpo entero o no, la temática del mismo y el estilo elegido. Pero a grandes rasgos un body de cuerpo entero con todo lo que implica peinado, fácil, cuerpo y estilismo conlleva unas seis horas de realización o más. Además, del trabajo de preproducción.
La utilización de colores, luces, sombras, texturas, líneas, estilismo son parte a la hora de realizar una obra en el cuerpo humano. Foto Emily
El body painting consiste en cubrir parcial o totalmente el cuerpo con uno más colores planos o plenos, el body art trata de utilizar el cuerpo total o parcialmente para representar un personaje o como un soporte artístico, así lo plantea Silvia Caruso , profesional en el arte del body paint.
Existen algunos casos una concepción y trabajo previo de producción y búsqueda estética y artística, es importante tomar en cuenta la interpretación del modelo en estos casos es fundamental.
Body painting con pincel es más efectivos para realizar detalles, bordear y rellenar espacios y figuras, para que un diseño quede lo más realista posible es necesario un dominio de la pintura artística.
Con el body painting con aerógrafo, se consigue una técnica de pintura uniforme, degradados y efectos de textura. A diferencia de la utilización de la aplicación de colores fluorescentes que se realiza con una esponja, esta otra técnica es ideal aplicarla sobre un fondo blanco y posteriormente el color fluorescente con la esponja.
También, se puede usar el painting con látex el cual consiste en un liquido que se saca para formar una delgada capa de goma en la piel. Es muy común ver la utilización de esta herramienta cuando se necesita un maquillaje con efectos especiales.
El cuerpo como soporte artístico
Para Paula Arranz_Raso en su tesis “El cuerpo, una visión a través del arte” el soporte artístico en el cuerpo abarca, las manifestaciones artísticas de la estética corporal son constantes en el cine, en la moda, en la televisión e inclusive en la estética. Esta es vivida con tal intensidad, que se convierte para muchos en un verdadero sujeto y objeto de culto.
El Body Art ha estado presente en la historia de humanidad, el ser humano ha tenido el cuerpo como soporte para manifestar su poder, su identidad.
Romper barreras
Es el reflejo de una muy antigua necesidad humana por romper las barreras del propio cuerpo. Aquí el arte-corporal toma dos causes. El primero es el comercial. No tardó mucho en abaratarse como recurso fácil para generar un escándalo moderado que acapare miradas. Así, un cuerpo bello, apenas cubierto por pintura resulta ser el material promocional por excelencia.
El body paint se convierte de inmediato en parte de este sistema interminable en el cual ofrecen cuerpos atractivos que, como anzuelos siempre eficaces, cumplen una función eminentemente de venta. Los medios de comunicación en sus manifestaciones más pueriles sacan partido del body paint: programas de concursos, reality shows, reportajes sensacionalistas, segmentos de entretenimiento que ofrecen un placer sin valoración o sustento estético. Más allá de todo juicio moral o plástico se trata de vender.
Y lo segundo es que mezcla la pintura corporal y el maquillaje facial con una visión escénica, que lo hucaba en el contexto ya sea de una foto integra al cuerpo en una reflexión sobre el espacio o en un evento, danza, circo, que nos remite a la antigüedad remota, al mito.
En la sociedad prevalece la imagen sobre la persona. Tenemos prejuicios hacia las personas que no cumplen con un determinado canon de belleza, es decir, no tienen un cuerpo perfecto.
La pintura corporal tiene esa magia, el cuerpo siempre de una forma u otra, cuenta una historia, por que se debe recordar que lo que hoy se llama body Paint es una actividad que se remite a las culturas arcaicas, es decir al pasado. El hombre lleva años pintando sobre sí mismo, transformándose con la naturaleza, convirtiéndose en una entidad que salta sobre su propio cuerpo y personalidad para convertirse en un engranaje de un ritual, además manifiesta un alma viva.
“El objetivo es llegar a la caracterización, le agradezco al arte, ver que ese es mi lugar, cuando estoy pintando, cuando estoy dibujando, cuando estoy dejando las ideas fluir. El amor que le tengo al arte me produce cosas nuevas, en cada trazo hay mucho sentimiento de por medio”
Johannes Stötter, artista italiano de body painting, ha sorprendido al mundo por el realismo de las obras que realiza. Los videos de sus pinturas alcanzan miles de reproducciones en pocas horas.
Periodista: Nazareth Castro/ Estudiante de la Universidad Federada San Judas Tadeo.
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