Verónica Montero, «Vermon», como la conocen en sus batallas de Freestyle,  es vecina de Moravia y tiene 18 años. Inició su año de competencia 2020 con un tercer lugar en la segunda fecha del campeonato Rapquisia, haciendo historia a nivel nacional y convirtiéndose en la primera mujer en llegar a una final nacional de freestyle.

Montero inició en el mundo del rap cuando estaba en décimo año de colegio, ya que su gusto comenzó cuando vio a sus compañeros batallando en los recreos.

«Mi primer experiencia fue una vez que habían unas elecciones en el colegio y unos amigos que sabían que yo rapeaba, me obligaron prácticamente y pues me fue bien y  perdí un toquecillo el miedo», mencionó Montero.

Con el tiempo descubrió que se realizaban batallas en todas partes del mundo, siendo México, España y Argentina sus principales referencias. Sin embargo, fue hasta el 2018 cuando descubrió la escena tica.

A Vermon le gusta todo tipo de géneros musicales y dijo no tener ningún rapero favorito, empero, admira mucho al rapero español, Skone, por su perseverancia.

En agosto del año pasado, Vermon realizó su debut en Moravia Battles, evento donde también consiguió llegar a la final y donde decidió dedicar el 2020 a competir a nivel nacional en busca de su sueño; entrar a Red Bull Costa Rica, es decir, la liga nacional para más adelante entrar a una mundial.

«Lo que me motivó fueron las personas que estaban a mi alrededor, como mis amigos cercanos, además de los comentarios lindos de la gente. Eso me impulsaba a salir de mi casa en la noche e ir a batallar a Moravia Battles”, expresó la rapera nacional.

Su experiencia en Rapquisia fue de mucha sorpresa, ya que según Montero, no sabía qué iba a pasar dado que en la primera fecha de este campeonato no pasó la primera etapa de selección.

Montero dijo sorprenderse al ser llamada; “Cuando me llamaron para la primer batalla fue como ¡Wooow! ¿qué? no me lo creía realmente.

Cuando pasé la batalla de octavos pensé: ¿usted sabe que loco llegar a la final? Pero lo veía muy lejos en esto del free, puesto que hay que tener paciencia», agregó Montero.

Plaza de la democracia, un lugar icónico para las batallas

“Realmente el hecho de que vaya tanta gente con un mismo objetivo, de ver batallas, de competir o disfrutar lo que es el free, hace que se vuelva un ambiente bastante amigable”, expresó.

Según destacó Montonero,  cuando se compite y al menos alguien se tira una buena rima y la gritaban, era increíble porque se transmitía mucha alegría en las personas, en comparación a la mayoría de organizaciones en el país.

Montero asegura que lo más importante es disfrutar cada batalla, la perseverancia y poder irse feliz para su casa. Su mensaje para las personas que aun no se animan y lo quieren intentar es: » que pierdan el miedo, que intenten lanzarse a una competencia que no se muy grande o que practiquen en casa con sus amigos, pero lo más importante si lo van hacer que sea porque disfrutan batallar.»

Escrito por : Amanda Sánchez Montes. Estudiante de periodismo en la Universidad San Judas Tadeo. Twitter: AmaSm

Randy Chaverri es un vecino de Quepos, nació y creció allá, hace unos cuatro o cinco años emprendió un viaje sin un pronto regreso a su pueblo y se mudó a San Rafael de Heredia, en donde vive ahora y trabaja en su hogar como tatuador.

A su vez estaba estudiando diseño publicitario, pero, por diversas razones lo dejó por el momento. Sin embargo, espera poder volver a estudiar y terminar de estudiar diseño gráfico que es lo que le apasiona junto a tatuar. 

¿Cómo y de adonde nació esa pasión por tatuar y los tatuajes?

¿Usted fue el primer tatuador dentro de su núcleo familiar?

Fui el primero que tatúa y también el primero que llegó tatuado, porque yo me tatué como a los 15 años y cuando yo llegue tatuado, di más allá en Quepos eso ni se veía, costaba mucho que alguien estuviera tatuado. Cuando llegue así mi mamá me pegó la regañada del año, pero yo me sigue tatuando y me echaron de la casa por seguir haciendo lo que me gusta. 

Ya estando acá y ya que a mí en lo personal me había empezado a gustar tatuar las cosas fueron cambiando, al menos respetaron un poquito más. Aunque, no es como que les agrade del todo que tatué, más por el tema religioso y mi abuela, pero si me apoyan con respetarlo y eso es más que suficiente, porque es el trabajo mío, mi profesión y de lo que vivo.

Aprender a tatuar es muy complicado y siempre es tedioso, antes me comentó que aprendió en su propia piel, pero ¿Cuáles fueron las otras maneras en las que aprendió a realizar este arte?

Bueno, si primero comencé a ver videos en YouTube, ponía como hacer una línea, en aquel tiempo lo que se usaba eran agujas de varilla, en este tiempo era más difícil porque usted tenía que agarrar la máquina calibrarla y hacer todo un proceso. Entonces todos estos pasos yo los ponía en los videos para ir aprendiendo, entonces mientras veía el video, yo me lo iba haciendo.

Después, comencé a tatuar a un primo y a una tía, luego me seguí tatuando, de hecho, tengo todas las piernas tatuadas y con el tiempo la gente llegaba y le hacía un brete. Siempre me instruí solo, nunca fue como que alguien me ayudó, todo fue buscado en internet y practicando con allegados.

¿Por cual tipo de tatuajes se inclina más? Porque me imagino que tiene su favorito.

Existen muchos tipos y técnicas para hacer un tatuaje, ¿Cómo usted trabaja con todas las que existen a la hora de hacer un tatuaje?

Hay miles de miles de técnicas y hay miles de personas que usan diferentes técnicas. Yo lo veo de la siguiente manera, uno crea su propio estilo, por qué no es como que llegue alguien y le diga esto se hace así, la maquina se agarra así y todo este tipo de cosas. No, usted llega con su máquina, hace su trabajo y va buscando su propio estilo, porque estilo hay muchos como neo tradicional, realismo, blackwork, miles de técnicas y acá lo que uno debe de hacer es ver cual técnica le favorece más a uno y tratar de perfeccionar en esta. 

¿Cómo son los tatuajes blackwork?

Es líneas con bastante negro, digamos para que un blackwork quede bien, tienen que ser líneas totalmente limpias, no puede estar torcida, es algo que a mí me rescatan de mi trabajo y me lo reconocen mucho, usualmente me busca mucha gente para que le trabaje esta técnica porque es algo que he perfeccionado a la hora de hacer nombres, fechas o bien para cualquier diseño. El blackwork es un toque oscuro es más que todo solo tirando negro y líneas, nada de sombras y nada.

Hablando de sus metas a futuro ¿Adonde se ve Randy en unos años?

¿Cuándo se ve abriendo su propio estudio?

Siento que como dentro de un año ya más o menos porque ya estoy guardando plata para poder alquilar el local y hacer toda la inversión, siento que ya voy a poder por lo menos alquilar el local e irlo acondicionando poco a poco.

Actualmente ¿Cuántas personas atiende por día?

Por ahora puedo atender entre semana (lunes a juves) a 2 o 3 personas por día, fin de semana (viernes y sábados) por lo general atiendo más de 6 personas, pero es que varía mucho dependiendo del trabajo que uno tenga que realizar porque si es un trabajo grande de toda la pierna, por ejemplo, solo atendería a una persona por todo el tiempo que se dura. 

Tras estos más de tres años ya tatuando ¿Cuál considera usted que es el mejor trabajo que ha realizado?

Mi mejor trabajo creo que es una manga que le llevo a un amigo, porque él me dejó que yo hiciera lo que yo quisiera en el brazo de él. Entonces le puse muchas ganas por eso, estuve viendo tatuajes de otras personas y viendo como los trabajaban, y así, entonces siento que el de mi amigo es como el que más me ha gustado.

¿Cree usted que existe aún discriminación hacia su trabajo y las personas que tatúan? Esto se lo digo porque en el país que vivimos se sabe que a lo largo de la historia este arte no ha sido reconocido como se debe y a ratos es visto de mala manera.

Básicamente, si es un toque incómodo más que todo con personas mayores, se le quedan viendo a uno y sé que no están de acuerdo. Esto se lo digo por hasta mi mamá, mi abuela y otros familiares que no están de acuerdo más que todo por un tema religioso.

Si he escuchado comentarios de que los tatuadores son unos vagos que no estudian y todo, pero yo he visto y tengo amigos tatuadores que son personas graduadas de la universidad que salen a cada rato del país y que están mejor posicionado que alguien que ha estudiado sobre otras cosas. 

Igual yo siento que ya ahorita está pasando esa etapa, que nos discriminan porque antes cuando yo tenía 16 años, las personas que tenían tatuajes, di pensaban que eran personas recién salidas de la cárcel o un vagazo, pero ahora se está haciendo más común ver a las personas así, incluso cuando uno va por la calle ve a la mayoría de personas con uno al menos. 

Gracias a esto creo que ya es que se está parando de criticar y señalar a las personas tatuadas y tatuadores más que todo, porque no lo ven como un trabajo digno, un trabajo profesional, cuando en realidad sí lo es, porque requiere mucho tiempo, requiere mucho sacrificio, requiere mucho estudio para poder realizar un tatuaje que si lleva mucho trabajo.

Entrevista realizada y escrita por: Joseph Fonseca

Cae con rapidez el sol en Moravia y el viento de época no se ausenta de sus labores estacionales. A la hora señalada, José María Piedra Carvajal abre la puerta de su casa, que además de fungir como su cálido hogar, es su estudio, su reducto y refugio para tocar, ensayar, crear y soñar música.

De 27 años, el músico costarricense tiene su árbol genealógico vinculado a lo melódico. Sus tres hermanos son músicos y su madre recientemente se pensionó de profesora de piano en la Universidad de Costa Rica (UCR).

Graduado del Bachillerato del Instituto Nacional de la Música de Costa Rica como percusionista clásico, Master en Ejecución Musical en la Universidad del Norte de Illinois, Estados Unidos e integrante de la Banda de Conciertos de Cartago y profesor de música, forma parte del talento joven que no suele estar en la superficie de los consumos culturales mediáticos pero que enaltecen desde su espacio el ambiente musical nacional.

La Real Academia Española (RAE) define a la percusión cómo “el instrumento que se hace sonar golpeándolo, generalmente con badajos, baquetas o varillas.” Esta expresión enciclopédica, aséptica y fría, lejana está del mundo de las sensibilidades en el cual uno se adentra cuando escuchar tocar a José María Piedra Carvajal. Cuando en sus manos; en su ser, el bombo legüero cobra vida y comienza a latir.

Músico es una definición amplia. ¿Cómo te auto definirías de manera más específica?

Me defino como multi instrumental. Significa que me desempeño profesionalmente en más de un área de instrumentos. Tengo mi especialización en percusión y dentro de ella, que es muy amplia, me enfocó en la percusión clásica y la popular, específicamente la que se conoce como percusión del mundo o percusión étnica, la cual es el estudio de la música de las étnicas, de los folklores, de las culturas del mundo desde el punto de la percusión. La percusión el tipo de instrumento más encontrado y repetido en las culturas a nivel mundial. Es lo que está casi que siempre presente.

En diferentes periodos de mi vida he estudiado diversas secciones, especializándome más en algún sector del planeta. Hay culturas determinadas que tienen un gran bagaje “percusionistico”, como la hindú, la afrolatina en general y la afrocubana en particular, la cual estudio, también las de Asia y Medio Oriente, músicas árabes. A todas las he abordado en algún momento. Muchas partes del mundo tienen percusión y que no necesariamente se relacionan el uno con el otro a pesar de estar en el mismo grupo sonoro. No comparten demasiadas similitudes y por ende no es lo mismo tocar redoblante en la orquesta que una tabla hindú.

También me desenvuelvo como bajista eléctrico y recientemente un poco como guitarrista.

¿Actualmente dónde estás desarrollando tu expresión artística musical? ¿La consideras un trabajo o es un hobby?

Es un trabajo, pero que tiene como base la pasión. Hago música por placer y tengo la fortuna que además me da de comer, gracias a Dios y al esfuerzo.

Soy músico de la Banda de Conciertos de Cartago del Ministerio de Cultura y Juventud. Ahí estoy ejerciendo como músico ejecutante. También soy profesor. Doy clases de percusión en el Colegio Country Day en San Rafael de Alajuela y en la Academia Musik Haus en Tres Ríos de Cartago. Y además participo en clases de yoga y en actividades de relajación.

¿Cómo evalúas la relación entre la expresión musical costarricense y lo estatal?

Definitivamente las posibilidades para un músico ejecutante en el país son mayores en el ámbito privado que en el público. Las únicas opciones para trabajar como músico ejecutante dentro del sistema estatal son las bandas nacionales o en las Orquesta Sinfónica Nacional. Básicamente cualquier otra función fuera de eso, se hace vía contratación de servicios profesionales, lo cual no te da derecho a garantías sociales, como vacaciones pagadas, aguinaldo, ni ningún tipo de beneficio que tendría un trabajo en planilla. Como profesor hay un poco más de posibilidades porque uno puede ofrecer lecciones en el Instituto Nacional de Música (INM), en escuelas municipales, y entornos de ese estilo.

Es más fácil encontrar opciones si uno se dedica al área de la educación que de la ejecución. Vivir como ejecutante requiere que el músico sea su propio empresario, su propio negociante, porque hay que buscar la forma de encontrar conciertos, armándolo uno mismo o siendo contratado por otro músico o por empresas de entretenimiento. Realmente es muy duro.

Existen mayores opciones y más impulso desde lo privado que de lo estatal. Entonces el privado es quien invierte el dinero y establece las reglas, ¿Cómo maneja el músico su espacio para la creatividad artística?

El sector privado es bastante amplio en lo que busca. Ha crecido mucho el ambiente cultural en Costa Rica. Por ejemplo, el sábado próximo tengo que tocar un concierto de música árabe para una boda. Y jamás sería contratado por el Estado para tocar música de esta índole. En lo privado, concluyentemente, hay más trabajo que en el estatal.

Respecto a la creatividad propiamente, dependiendo de la contratación, y así son las reglas del juego, ellos establecen ciertos parámetros. En una recepción de boda uno ya sabe que no pueden ser ruidos muy estruendosos ni que sean duros. En lo personal, me dedicó mucho a hacer música con elementos de la improvisación. Entonces, si ejecuto lo hindú y me mantengo dentro de los requerimientos del cliente, la creatividad no se va a ver afectada. Se puede moldear por las limitantes, pero hay espacio para ejercer la creatividad artística.

¿Consideras que el costarricense está anuente a consumir y pagar por consumos culturales en general y musicales en particular?

Sí y no. Creo que hay un nicho de gente que sí está dispuesta a pagar por ello, que sabe y lo disfruta. Sin embargo, la mayoría de las personas no saben que la buena música merece ser pagada y hay mucho que se puede ver y escuchar en Costa Rica. El problema es que hay muy poca educación musical a nivel país. La mayoría del consumo musical es bastante pobre en cuanto a los géneros y la cantidad distinta de música que se escucha. No es que no exista. Hay conciertos gratuitos de las bandas de conciertos de todas las provincias. También de grupos nacionales que son fundados por las mismas municipalidades, o conciertos de extensión musical de la Sinfónica Nacional. Hay muchas cosas al alcance de la mano que la gente no aprovecha. Creo que la gran culpa es de la educación.

¿Cómo analizas el panorama actual de la música costarricense en cuanto a calidad y posibilidades de difusión, en un mercado inundado por lo extranjero?

Tu proyecto Isla Tambor, ¿cómo nació?

Isla Tambor comenzó hace 4 años. Somos dos personas los que manejamos el grupo, Felipe Fernández y mi persona. Ambos somos percusionistas graduados del INM pero además yo estoy con el bajo eléctrico y él con el piano. A mí me gusta mucho componer, a Felipe le gusta mucho producir y grabar, entonces unimos fuerzas para grabar una pieza en conjunto, “El Primer Camino”. Solamente nosotros dos grabando todos los instrumentos que suenan. A la gente le gustó mucho y decidimos darle continuidad al proyecto. Para la segunda producción, “Roble Sabana”, llamamos a músicos invitados, dándole más forma al grupo a lo largo de estos años. Ha sido lento el recorrido porque es muy costoso a pesar de disponer de un estudio en la casa de Felipe y que podemos editar, grabar y componer dentro de su hogar.

Incluso, actualmente con internet y las redes sociales, la difusión no representa un costo.

Así es, pero de todas maneras sigue altamente costoso. Porque producir música requiere creatividad. La misma es gratis por así decirlo, pero a los 20 músicos que participaron con nosotros, que lo hicieron de buena fe y por qué querían ser parte del proyecto, tuvimos que pagarles transporte, comidas, gastos simbólicos para hacerlo de la forma más correcta y más profesional posible. Y si bien la grabación la hacemos nosotros, la mezcla y la masterización que hay que hacerlas en un estudio profesional y eso también hay que pagarlo.

Este año sacaron su primer disco.

Es correcto. Hace tres semanas lo logramos publicar. Se llama “El Primer Camino” y se lanzó por medio de CD Baby (tienda de música en línea especializada en la venta de discos compactos físicos y descargas de música digital desde los músicos independientes directamente a los consumidores). Además, se puede escuchar en todas las plataformas de streaming, como iTunes, Spotify, Amazon, Pandora.

¿Cuál es el objetivo de Isla Tambor dentro del ambiente musical nacional?

Inicialmente nacimos como un proyecto de grabación. Buscábamos hacer nuestra música, grabarla y punto. Cuando sacamos Roble Sabana, causó bastante impresión, gustó mucho, se ha reproducido más de 17 mil veces en YouTube y bastante más en Facebook. Entonces el grupo empezó a tener cierta audiencia con la que nosotros no contábamos.

Lo que buscamos es hacer una propuesta novedosa combinando influencias de estilos, países y culturas diferentes. Creemos, y es sabido, que Costa Rica es un puente biológico. Conectamos aquí la fauna y la flora de lo que viene de Sudamérica, con lo de Centroamérica y América del Norte. Aquí hay una gran cantidad de riqueza biológica y eso también está representado en la cultura. Entonces nosotros nos preguntamos, ¿Qué significa ser tico y cuál es su identidad? Y es una identidad bien borrosa. Posee tintes diferentes y es difícil encasillarlo en una sola cosa. Musicalmente es eso lo que queremos mostrar. En Costa Rica tenemos influencia de Brasil, de Angola, afrocubana, panameña, centroamericana, europea, estadounidense. Entonces nuestra música y nuestras letras tratan de mezclar todo eso con el sentir del costarricense.

¿Ves factible que tenga pregnancia en los consumidores de música este proyecto? ¿Es un objetivo que se han trazado instalarse en el mainstream vernáculo?

Es una pregunta muy interesante porque nosotros mismos nos la hemos hecho en diferentes etapas del grupo. Y a veces la respuesta ha sido sí y en otras no. Primordialmente lo que nos lleva a realizar esta música es la necesidad artística de decir lo que queremos decir y eso mueve el lapicero en el papel al componer, antes de las ganas de querer tener esa estabilidad mediática; esa pregnancia como vos decís. Si lo veo posible y creo que como para cualquier otro grupo es difícil, sobre todo porque no es música necesariamente comercial, pero podemos encontrar un nicho, que nos va a costar años, estoy seguro, pero si es factible.

Recién mencionabas el crisol de la cultura y la música costarricense. Dentro de esta vasta identidad, ¿Qué podemos decir del aporte de los pueblos originarios en la música?

¿Sentís que la música de los pueblos autóctonos se ha dejado de lado?

Definitivamente sí. Se ha desterrado en muchos niveles. No solo a nivel musical, sino también de historia. El problema es que es mucho más fácil encontrar evidencia de ciertas costumbres o formas en las que llevaban a cargo sus tareas cotidianas o como definían sus jerarquías sociales porque se encontraron escritos o evidencias de alguna forma. Sin embargo, la música indígena nunca fue escrita en Costa Rica. Nunca llegó a ser almacenada por algún canal que no sea por lo oral y por la memoria de las personas, transmitiéndose de generación en generación. Esto le suele suceder a las expresiones musicales más puras, más folclóricas, más étnicas y aquí no fue la excepción. Cuando llegaron los europeos y nos arrebataron todo por la fuerza, que mataron y que hicieron un genocidio en estas latitudes, se perdió muchísimo de lo que existía. Más bien es una bendición que por ejemplo no se haya pedido del todo la construcción de determinado tipo de tambores o que se hayan encontrados ocarinas. Pero no se encontró que canciones se tocaban con esos instrumentos y no hubo como recuperar esa información.

A modo de cierre, José María hace una introspección a voz alzada respecto de que busca con su arte, con su música.

Tomás Fonseca

Estudiante de Periodismo. Nació en Buenos Aires, Argentina en 1989. Actualmente vive en Costa Rica donde trabaja como futbolista y realiza sus estudios de Bachillerato en Periodismo en la Universidad San Judas Tadeo. Twitter: @tomfonseca